…this is a demonstration for #‚disruption‘ as method of artmaking.

1. Knowing that there is a ‚corpse in the basement‘, I ask myself from time to time: why did I as an artist ‚evaluate‘ my art historical thesis „Ikonographische Studien zu den Fröhlichen Gesellschaften von Jan Steen (1626-1679)“ and why  20 years later? Three days ago I designed a drawing in the style of Jan Steen (actually no drawing of Steen has ever been confirmed). Unfortunately I cut my drawing in pieces before making a photo; so I can only trace the outlines.

2. The next morning I found this drawing awfully ugly. What could I do? I remembered the paper dolls with their cut outs. So I cut out head, arms, belly, legs…

3. The next step was playful („spiel“): I tried various layouts of the limbs.

4. The model of a „mobile“ supports the connection of the parts.

5. To make look it ‚better‘ (more decorated) I added colors.

6. Meanwhile the parts became more autonomous. They asked for a stronger order and composition. New details, that had nothing to do with the original design were added.

7. Now it was an autonomous picture .If I say that it is no artwork, I refer to the major point of explaining the method I choose starting with the cut outs.

8. I was totally frustrated with my drawing because  it was a dead end street.  Cutting out parts was more a desperate reaction than methodical. But it was an exit to new dimensions. I t was the chance for a ‚reset‘ and new start. I was no longer  bound by „realism“ in baroque manner. I. crossed the lines of collage, montage, silhouette, mapping and reached a blend of all this. From my point of view it was the invention of the collage, ready mades, frottage and artists like Picasso, Max Ernst, Hanna Höch and Eisenstein who made this possible.

#„disruption“ look wikipedia . Also look at „axel-von-criegern.de“

Dies ist eine Demonstration für #‚disruption‘ als Methode des Kunstschaffens.

1. Im Wissen, dass „im Keller eine Leiche liegt““, frage ich mich von Zeit zu Zeit: Warum habe ich als Künstler meine kunsthistorische Arbeit „Ikonographische Studien zu den Fröhlichen Gesellschaften von Jan Steen (1626-1679)  “ überhaupt und warum 20 Jahre später (künstlerisch) ausgewertet? Vor drei Tagen habe ich eine Zeichnung im Stil von Jan Steen entworfen (bis heute  wurde noch keine Zeichnung von Steen bestätigt). Leider habe ich meine Zeichnung in Stücke geschnitten, bevor ich ein Foto gemacht habe. Ich kann also nur die Umrisse nachzeichnen.

2. Am nächsten Morgen fand ich diese Zeichnung schrecklich hässlich. Was könnte ich tun? Ich erinnerte mich an Ausschneidebögen. Also habe ich Kopf, Arme, Bauch, Beine ausgeschnitten…

3. Der nächste Schritt war spielerisch („spiel“): Ich probierte verschiedene Anordnungen der ausgeschnittenen  Stücke  aus.

4.  Linien im Sinn der Aufhängung eines „Mobile“ unterstützen die Verbindung der Teile.

5. Damit es ‚besser‘ (dekorativer) aussieht, habe ich Farben hinzugefügt.

6. Inzwischen sind die Teile autonomer geworden. Sie forderten eine stärkere Ordnung und Zusammensetzung. Neue Details, die nichts mit dem ursprünglichen Design zu tun hatten, wurden hinzugefügt.

7. Nun war es ein autonomes Bild. Wenn ich sage, dass es kein Kunstwerk ist, verweise ich auf den Hauptpunkt der Erklärung der Methode, die ich ausgehend von den Ausschnitten gewählt habe.

8. Ich war total frustriert von meiner Zeichnung, weil es eine Sackgasse war. Das Ausschneiden von Teilen war eher eine verzweifelte als eine methodische Reaktion. Aber es war ein Aufbruch in neue Dimensionen. Es war die Chance für einen ‚Reset‘ und Neuanfang. Ich war nicht mehr an den „Realismus“ in barocker Manier gebunden. Ich überschritt die Grenzen von Collage, Montage, Silhouette, Mapping und erreichte eine Mischung aus all dem. Aus meiner Sicht waren es die Erfindung der Collage, Readymades, Frottage und Künstler wie Picasso, Max Ernst, Hanna Höch und Eisenstein, die dies möglich gemacht haben.

# für „disruptiv“ und „disruption“ siehe Wikipedia.

Dies ist eine Demonstration für #‚disruption‘ als Methode des Kunstschaffens.

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1. 1. 1. 1. 1. Tunnel digging

This is a new chapter in my long carving story of a hard and heavy mahogany block. It started when a friend of mine, Michele Facchino, encouraged me to cut through the connection between two parts. This was the start for a move into the interior of the block. And this is a journey to an unknown sculptural reality. With a Fillet knife, „Hohlkehle“, I carved from a little hole in the deep. I tried to imagine where this tunnel would end. I tell you this is an exciting step into a new dimension. You are anxious about the destruction of the sculpture as a whole. After that you have to approach the exit and the surface. That gives you an idea of how to go on. From now on you work in the domain of negative sculptures. And this is really hard. Step by step you try to hold the balance between interior and exterior.

You may say „what’s new? There were the incredible good sculptors beteeen 1500 and 1800 aC!“ But you should also remember the difficulty of esrly mesopotanian or the european mediaeval art. Besides that what we modern artists practice is basically different. It is more related to architectural concepts with their equivalents of interior and exterior.

And you will agree that we are artists and that no scientist and historian can share the special „vibes“ we feel when you and I enter the fantastic dimension of an unknown, undiscovered and unexplored world! Agree?!

Deutsch

Das ist ein neues Kapitel in meiner langen Geschichte der Arbeit an einem Mahagoni-Block. Sie begann, als ein Freund, Michele Facchino, mich dazu ermutigte, zwei zusammen hängende Teile zu trennen. Das war der Beginn meiner Beschäftigung mit dem Inneren des Blocks. Und es war eine Reise ins Unbekannte der skulpturalen Wirklichkeit. Mit einer Hohlkehle arbeitete ich mich von einer oberflächlichen Schalenform in die Tiefe. Als erstes versuchte ich mir vorzustellen wo der Tunnel enden würde. Ich sag dir das war ein spannender Schritt in eine neue Dimension. Du zitterst davor die ganze Plastik zu zerstören. Wenn du es denn schaffst musst du den Ausgang in die Oberfläche einpassen. Da entsteht die Idee wie es weiter gehen kann. Von jetzt an arbeitest du im Bereich der ‚negativen’ Skulptur. Und das ist hart. Schritt für Schritt versuchst du die Balance zwischen Innen und Aussen zu halten. Du magst sagen :“Was heißt da neu? Schließlich gab es die unvergleichlichen Bildhauer zwischen 1500 und 1800 n.C.!“ Aber erinnere dich an die Anfänge der mesopotanischen Kunst oder die Skulptur im frühen europäischen Mittelalter. Aber abgesehen davon arbeiten wir modernen Künstler völlig anders. Das ist den architektonischen Prinzipien der Beziehung von Außen und Innen verwandt. Und schließlich sind wir Künstler. Kein Kunsthistoriker kann unsere speziellen Empfindungen beim Betreten dieser fantastischen, unbekannten , unentdeckten und unerforschten Welt teilen. Meinst du nicht auch?

Instagram 15:05:

Selfies von Künstlerinnen, Faustkeile, Felszeichnungen, Architektur-„Postkarten“, Fotos von Oberflächen und Beleuchtung, Ausstellungsplakat, historistischer „Kitsch“, afrikanische Maske,Werbung Sportschue, digitale Zeichnung, Farb-Gespinste, Schriftbild, impressionistische Landschaft, ein kunsthistorischer Beitrag, eine Porzellan-Schale, sw-Foto:ein Bretterstapel, ein Raffael-Porträt …

Und wir als Kunstproduzenten mitten drin: fasziniert vom Foto-Glamour, eingebunden in unseren Alltag, hineingezogen in den Strudel der allgemeinen Bild-Berauschung: Wo die eigene Produktion verorten und wie auf das Medien-Kaleidoskop reagieren? Wie entwickeln sich meine Formen in diesem Durcheinander? Wie weit lasse ich mich anregen und bewege mich heraus aus meinem gewachsenen Bestand?
Und schließlich:
Wie nutze ich das Internet? Um mitzuspielen oder davon unabhängige Werke zu produzieren und wie sieht die Mischung aus? Und nicht zuletzt: Ist das gut für meine Kunst und mein Leben?

Instagram 15:05

Selfies by sexually attractive ladies, hand axes, rock drawings, architectural “postcards”, photos of surfaces and lighting, exhibition posters, historical “kitsch”, African masks, advertising sports shoes, digital drawings, color webs, typeface, impressionistic landscapes, an art historical contribution, one Porcelain bowl, black-and-white photo: a pile of boards, a portrait of Raffael…

And we as art producers are in the middle of it all: fascinated by photo glamor, integrated into our everyday lives, drawn into the maelstrom of general image intoxication: where to locate our own production and how to react to the media kaleidoscope? How do my forms develop in this confusion? How far do I allow myself to be stimulated and move out of my grown stock?
And finally:
How do I use the Internet? To play along or to produce works independent of it, and what is the mix? And last but not least: Is this good for my art and my life?

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